أنتجت عقود موسيقية قليلة مثل هذا الإبداع المتفجر والانتقائية كما حدث في السبعينيات. أصبحت موسيقى الروك الكلاسيكية من “العصر الذهبي” المبكر (1964 إلى 1982) سائدة جنبًا إلى جنب مع الثقافة المضادة في الستينيات، والتي عززت في حد ذاتها الازدراء المناهض للمؤسسة والذي نتج عنه مشهد موسيقى الروك البانك في منتصف السبعينيات. كان موتاون – وهو مصطلح موسيقي شامل مشتق من علامة التسجيل التي تأسست عام 1959 – في حالة تراجع، ولكنه لا يزال يتطور جنبًا إلى جنب مع موسيقى السول، والفانك، والإنجيل، وآر أند بي، والجاز، وما إلى ذلك، والتي مرت بدورها بتكرارات أدت إلى اعتماد موسيقى الهيب هوب على نطاق أوسع في الثمانينيات. ولكن حتى وسط كل هذه الرغبة المضطربة والمضطربة في تأليف موسيقى جديدة ورائعة، برزت بعض الأغاني على أنها رائعة بشكل خاص على واجهة موسيقى الروك الكلاسيكية.
لكن أولاً، علينا أن نتناول المشكلة الاصطلاحية الموجودة في الغرفة: “رائع”، وهو ما يعني شيئًا مختلفًا بالنسبة للجميع عمليًا. هذا إلا إذا كنا نتحدث عن شخصية فنية مشهورة عالميًا مثل ديفيد باوي (سنتحدث عنه لاحقًا). لكي تكون أغنية السبعينيات رائعة حقًا ومذهلة للأذنين، يجب أن تتميز عن نظيراتها وأن تكون غير عامة قدر الإمكان. يجب أن تبدو جديدة لآذاننا الحديثة – البنية، والتركيب، والموضوع، والصفات الغريبة الشاملة – إلا إذا كان المستمع قد سمعها بالفعل ألف مرة. في حين أن هذا قد يعني أن الأغنية كانت فريدة من نوعها في السبعينيات، إلا أنه يعني أنها فريدة من نوعها الآن، خاصة عند النظر إلى السبعينيات بشكل عام.
كان بعض الفنانين مثل فرانك زابا هم حاملي لواء كل الأشياء الغريبة والرائعة لعقود من الزمن، وخاصة الأغاني مثل “Nanook Rubs It” من عام 1974 الفاصلة العليا (‘). هناك فنانون آخرون يستمعون على نطاق واسع مثل Yes وتحفتهم الفنية “Roundabout” عام 1971 تبدو جديدة ومبتكرة تمامًا. ثم هناك باوي، الذي تطور خلال مرحلة Thin White Duke إلى شيء أكثر روعة من أي وقت مضى.
الدوار – نعم
بدءًا من نغمات عازف الجيتار ستيف هاو الرائعة والمفتوحة ونواة “Roundabout’s” وخط الجهير غير التقليدي وصولاً إلى الأغنية الرئيسية النهائية والمفتوحة والمُعزفة، هل من الممكن سماع أعظم أغنية لـ Yes في السبعينيات ولا تعتقد أنها الأغنية الرائعة الأكثر إبهارًا وحيوية ومباشرة التي سمعتها على الإطلاق؟ “الدوار” من أغنية “Fragile” لعام 1971 هو مشهد من البراعة الموسيقية المتدفقة، حيث يتشابك كل جزء ويتشابك مع الأجزاء الأخرى، وتردد المقاطع الموسيقية لحنيًا ومتناغمًا عبر طول الأغنية، وتفتح الأغنية لمقاطع تشبه جلسة المربى، مثل بعد عودة المقدمة بعد مرور خمس دقائق تقريبًا.
“الدوار” يسحق بقوة لدرجة أنه من الصادم الاعتقاد بأن “نعم” لم يكن موجودًا إلا لمدة ثلاث سنوات في تلك المرحلة، منذ عام 1968. ولكن خلال تلك السنوات الثلاث كان البروجسترز الإنجليز منتشرين موسيقيًا لدرجة أنهم أصدروا أربعة ألبومات استوديو، “نعم” (1969)، “تايم وكلمة” (1970)، “ألبوم نعم” (1971)، وأخيرًا “هش” (1971).
اجتمع “الدوار” أثناء قيام الفرقة بجولة لألبومهم الثالث “The Yes Album”. كما يروي Ultimate Guitar القصة، يتذكر المغني جون أندرسون المرور عبر “ربما 40 أو نحو ذلك” من الدوارات أثناء السفر من أبردين إلى جلاسكو، اسكتلندا. كانت الفرقة تحدق في الريف الاسكتلندي، ومرت بالقرب من بحيرة لوخ نيس على طول الطريق (نعم، تلك التي بها وحش بحيرة لوخ نيس) بينما كان أندرسون يدون كلمات الأغاني في دفتر ملاحظاته. الجملة، “أوه، الجبال – انظري! إنها تخرج من السماء!” بدأت جلسة الكتابة الغنائية وتطورت إلى “داخل وخارج البحيرة / الجبال تخرج من السماء وتقف هناك.” بمجرد عودة الفرقة إلى الاستوديو كتبوا ما وصفه هاو بـ “السحر الخالص”. ولا يزال الأمر كذلك، بل وأكثر من ذلك.
بلا نجوم – الملك قرمزي
تخلص من جميع الأوصاف التي تريدها – proggy، out-there، spacey، avant-garde، وما إلى ذلك – وستظل عاجزًا بنسبة 100٪ عن التقاط موسيقى King Crimson الفريدة حقًا. تمت كتابته كتركيبات كلاسيكية حيث تلعب كل أداة دورًا محددًا، وصولاً إلى مجموعات الطبول الثلاث (نعم، ثلاثة)، والساكسفون ألتو، والمسارات الداعمة، وجميع أنواع الإيقاعات الغريبة لنسخة 2015 الحية “Starless” التي أهدتها لنا الآلهة، يبدو King Crimson الآن خارج هذا العالم أكثر مما كان عليه في السبعينيات (والستينيات والثمانينيات، في هذا الصدد). وهذه هي الأغنية بالضبط – “Starless” المفضلة لدى المعجبين من أغنية “Red” لعام 1974 – التي نختارها لتكون ذروة Crimson الرائعة.
مثل الرؤى الكونية التي يوحي بها اسمها، “Starless” هي رحلة موسيقية حقيقية تبدأ من الغرابة اللطيفة إلى التصعيد المتفجر الذي يحفز الوجه والذي ينافس أحلك المعدن الموجود هناك. الأغنية مليئة بتغييرات توقيع الوقت الرائعة التي لا نهاية لها، وتغييرات الإيقاع، وتعدد الإيقاعات، والمهام الجانبية الموسيقية، والزخارف البارزة، ولا تذهب إلى أي مكان تتوقعه عند الاستماع لأول مرة بينما لا تزال منطقية من خلال العودة إلى موضوعها الافتتاحي الأصلي. وهذا لم يحدث تقريبًا.
نشأت أغنية “Starless” مع عازف لوحة المفاتيح Crimson David Cross قبل وقت قصير من مغادرته الفرقة. كانت الحياة القرمزية في تلك المرحلة عبارة عن جلسة طويلة من الملل، عالقة على الطريق، تنتظر في المطارات، تسافر من حفلة إلى أخرى، وما إلى ذلك. بدأ كروس، تحت ضغط الملل، بالعزف بلحن تصاعدي أثناء فحص الصوت، نغمة تستخدم النغمة التاسعة في سلمها الموسيقي. التقطها عازف الجيتار روبرت فريب من هناك. بحلول الوقت الذي سجل فيه King Crimson أغنية “Starless” في عام 1974 لأغنية “Red”، كانوا قد قاموا بتشغيلها على الهواء مباشرة 51 مرة. كانت أغنية “Red” هي أسوأ نغمة تجارية لـ Crimson من حيث الأداء التجاري في السبعينيات، ولكنها اكتسبت مكانة مرموقة منذ ذلك الحين.
نانوك يفركها – فرانك زابا
إذا كان فرانك زابا يعتبر غريبًا في السبعينيات، فإلى أي مدى تعتقد أنه سيكون غير تقليدي ورائع الآن؟ كان زابا موهوبًا بشكل غريب وكان فريدًا تمامًا وممتعًا بلا حدود. عندما طُلب منه وصف موسيقاه، التي لا تزال تبدو وكأنها لا شيء آخر هذه الأيام، بعد مرور أكثر من 50 عامًا، نقلت Louder Sound عن زابا قوله، “لا يمكنك كتابة وتر قبيح بما يكفي لقول ما تريد قوله أحيانًا، لذا عليك الاعتماد على زرافة مليئة بالكريمة المخفوقة.” حسنا، بطبيعة الحال.
أيضًا: “Great googly-moogly!”، كما يقول Zappa في “Nanook Rubs It”، وهي أغنية رائعة للغاية والمسار الثالث الغريب الذي يثير الدهشة في أغنية Yellow Snow Suite المكونة من أربع أغنيات من “الفاصلة العليا (‘) لعام 1974.” يحكي فيلم “Nanook Rubs It” قصة صبي من الإنويت يدافع عن فقمة صغيرة من الصياد عن طريق فرك “بلورات الثلج الصفراء القاتلة” من الثلج المنقوع بالبول من كلاب الهاسكي في عيون الصياد في “… حركة دائرية قوية / غير معروفة حتى الآن لسكان هذه المنطقة.” إنه يفعل ذلك من خلال صوت الجهير والأرغن غير التقليديين، ورذاذ الترومبون وأصوات الساكسفون، والأداء الصوتي الهستيري.
إذا قرأت كل ذلك وفكرت، “هاه؟؟”، فأنت لست في صحبة غير عادية. لقد كان زابا دائمًا غريبًا، بغض النظر عن عدد الأشخاص الذين يقدسونه الآن، بعد مرور أكثر من 20 عامًا على وفاته في عام 1993، باعتباره رمزًا فنيًا وملحنًا أمريكيًا عظيمًا. من منطلق رغبته الإبداعية في توجيه موسيقاه ورغبته العملية في إبقاء أرباحه بعيدًا عن أيدي صناعة الموسيقى، أسس زابا علامته الموسيقية الخاصة، Barking Pumpkin Records، في عام 1981. هذه العلامة، والجهود التي بذلتها زوجة زابا بعد وفاته، هي التي ساعدت في الحفاظ على موسيقاه دون تغيير لعقود من الزمن. عظيم googly-moogly، في الواقع!
مرحبًا بكم في الآلة – بينك فلويد
ما الذي تحصل عليه عندما تجمع بين أغنية نصف غنائية مع طبقات من السينثس الصاخب، بدون أي إيقاع على الإطلاق، وبعض العزف المفتوح على الجيتار، وآلة البوق، والثرثرة الصامتة للجمهور؟ هذا صحيح، لقد حصلت على أغنية “مرحبًا بكم في الآلة” لعام 1975 من تأليف بينك فلويد، وهي فرقة الروك/الموسيقى الروكية الأكثر نجاحًا تجاريًا على الإطلاق. يعد ألبومهم الشهير “Dark Side of the Moon” عام 1973 هو الألبوم الأكثر مبيعًا في السبعينيات، حيث تم بيع أكثر من 50 مليون نسخة. كان فيلم “The Wall” عام 1979 يحتوي على أغنية Billboard Hot 100 رقم 1 الوحيدة لبينك فلويد، “Another Brick in the Wall، Pt. 2”. ولكن بين الجولتين مباشرة، حصلت أغنية “Welcome to the Machine” لعام 1975 من “Wish You Were Here” على تصويتنا لأغنية السبعينيات التي تبدو أكثر روعة اليوم.
لقد أوضحنا بالفعل الطبيعة غير التقليدية لتكوين “مرحبًا بكم في الآلة”، والذي يبدو أقل شبهًا بالرجال الذين يستخدمون القيثارات وآلات الروك التقليدية ويشبه إلى حد كبير أوبرا الخيال العلمي. ينمو المشهد الصوتي للأغنية بشكل متزايد بشكل مثير للقلق والقمع بسبب طولها، حتى بأغلبية ساحقة، مثلما توحي كلماتها المختنقّة بتروس الحياة والصناعة. هذه أغنية ثقيلة من حيث النطاق والوزن العاطفي والإنجاز الموسيقي.
“مرحبًا بكم في الآلة” وألبومها هما أيضًا متابعة مثالية لـ “Dark Side of the Moon”. أدى هذا الألبوم إلى نجاح مالي سمح لبينك فلويد بالتجول في الاستوديو. كما أنها أعطتهم منظورًا داخليًا حول طبيعة الآلة، إذا جاز التعبير. ونتيجة لذلك، فقد حصلنا على واحدة من أروع الأغاني في السبعينيات من الألبوم الذي يعتبره عازف الدرامز فلويد، نيك ماسون، مميزًا للغاية من بين ديسكغرافيا الفرقة بأكملها.
السنوات الذهبية – ديفيد باوي
سننتهي بأغنية لفنان لا ينبغي أن يفاجئ أحدًا بظهوره في هذه القائمة: ديفيد باوي. في عام 1976، أصدر بوي أغنية “Station to Station”، وهي عبارة عن محور مهني وشخصي تم إعداده وسط إدمان غير مزاح للكوكايين الذي جرده حتى العظم بالمعنى العاطفي والحس الجسدي. أدخل شخصية Thin White Duke، التي وصفها بوي بـ “Pierrot” (مهرج حزين) و”كل رجل” “يحاول رسم حقيقة عصرنا”، كما نقلت عنه مجلة Far Out. تغني هذه الشخصية في ألبوم “Station to Station”، وهو ألبوم يحتوي على أغنية غير متوقعة لباوي والتي كتبها في الأصل لإلفيس بريسلي، من بين كل الناس: “السنوات الذهبية”.
سوف يشير محبو Bowie بحق إلى أن “Station to Station”، الأغنية الأولى في الألبوم الذي يحمل نفس الاسم، هي تحفة فنية. ولكن، إنها “السنوات الذهبية” التي تبدو متقدمة جدًا عن عصرها، فهي رائعة جدًا وقابلة للرقص، لدرجة أنه لا يمكنك حتى تحديد العقد الذي جاءت منه من خلال الصوت وحده. سوف يجادل البعض الآخر بأنها أقل “موسيقى الروك” من بين اختياراتنا وأكثر من أغنية بوب غير تقليدية. ولكن هذا هو باوي الذي نتحدث عنه، وهو فنان غيَّر الوجوه على مدى عقود من الزمن، وهو ينسج داخل وخارج موسيقى الروك الكلاسيكية والأنماط المجاورة لها.
كما قلنا، كتب باوي في الأصل “السنوات الذهبية” لإلفيس. يمكنك سماع ذلك في النغمات الصوتية المنخفضة للأغنية والتقديم المذهل بشكل عام. ولكن في حين أن بوي كان ينوي أن يكون عرضًا استعاديًا لإلفيس الذي كان يتقدم في السن آنذاك (الذي توفي بعد عام من إصدار “Station to Station’s” في عام 1977)، فقد انتهى به الأمر إلى أن يكون صورة خيبة الأمل لحاضر بوي. الآن، إنه شيء يمكننا جميعًا الاحتفال به.
