5 أغاني من عام 1971 تم الاستهانة بها بشدة

كان عام 1971 عامًا جحيمًا للموسيقى. تحكي عينة ضئيلة مما صدر في ذلك العام القصة: “Led Zeppelin IV” لليد زيبلين، و”Sticky Fingers” لرولينج ستونز، و”What Going On” لمارفن جاي، و”Who’s Next” لـ The Who، و”Pearl” لجانيس جوبلين، و”Master of Reality” لـ Black Sabbath، و”LA Woman” لـ The Doors، و”Imagine” لجون لينون، وما إلى ذلك. إلخ. هذه الألبومات، بالإضافة إلى الكثير من الألبومات الأخرى، تجعل الأمر يبدو كما لو أن العام أنتج كتالوجًا ضخمًا من الروائع التي تحتوي على أغانٍ هائلة ومحبوبة عبر الأجيال. هذا صحيح إلى حد ما، وهذا لا يأخذ بعين الاعتبار الأغاني التي تم الاستخفاف بها.

بشكل عام، كانت أوائل السبعينيات بمثابة استمرار للثقافة المضادة في الستينيات، وكذلك الانفصال عنها، حيث أصبحت الثقافة المضادة هي الثقافة. نشأت موسيقى الروك في الستينيات وصعود موسيقى السول وآر أند بي، مع اندفاعة من الديسكو في نهاية العقد، أثبتت السبعينيات أنها فترة فنية خصبة وحيوية للغاية، بما في ذلك على واجهة الفيلم. أولئك منا الذين لم يكونوا على قيد الحياة في ذلك الوقت لا يمكنهم إلا أن ينظروا إلى الوراء في العصر بأكمله كما لو أنهم يلمحون وحيد القرن الأسطوري والصوفي.

وسط بحر شاسع من الموسيقى المذهلة، من السهل أن يتم تجاهل بعض الأغاني والفنانين والاستهانة بهم. سنقوم بتسليط الضوء على العديد من هذه الأغاني من عام 1971 في هذه المقالة، مع التركيز على الأغاني الأقل شهرة لفنانين أقل شهرة أو مشهورين، من King Crimson إلى Miles Davis وحتى Beach Boys. سيكون لدى بعض المعجبين معرفة وثيقة بكل اختيار من اختياراتنا، لكن اختياراتنا تشير إلى الوعي العام العام بالأغاني المعنية، خاصة عند مقارنتها بالأغاني الموجودة في ألبومات ذات أسماء كبيرة مثل تلك المذكورة أعلاه. تجسد اختياراتنا أيضًا الطاقة الموسيقية المتطورة في ذلك الوقت.

“هذه هي أفضل مجموعة في العالم،” قال جيمي هندريكس عن King Crimson في عام 1969 (لكل موقع Guitar.com)، في اقتباس كثيرًا ما يتم الاستشهاد به والذي يجعل قلوب معجبي Crimson تنتفخ بالفخر. في ذلك العام، أصدر King Crimson “In the Court of the Crimson King”، وهو ألبوم OG prog الذي ستتبعه جميع ألبومات prog. وعندما نقول “prog”، فإننا نعني حقًا “تقدميًا”، أي التقدم إلى ما هو أبعد من الأنواع، بما في ذلك التغييرات السريعة بالفعل في الأعمال الموسيقية من منتصف الستينيات وحتى أوائل السبعينيات. تغيرت هوية King Crimson وصوته من ألبوم إلى آخر، وحتى من أغنية إلى أخرى، حيث تم دمج الكثير من الآلات غير الروك، والبناء على تأثيرات موسيقى الجاز والفولك والبلوز، وتطوير تركيبات غير تقليدية ذات طبقات تجعلها تبدو فريدة من نوعها الآن كما فعلت في الستينيات والسبعينيات.

في عام 1971، أصدر King Crimson ألبومهم الرابع “Islands” خلال ثلاث سنوات من الإنتاج الإبداعي الهائل والإنتاجية المذهلة. في حين أن “In the Court of the Crimson King” يميل إلى جذب كل الاهتمام لتأثيره الأولي، وشبه إمكانية الوصول إليه، ونجاحاته مثل “21st Century Schizoid Man” (بالإضافة إلى حصوله على المرتبة 25 من أصل أكثر من 57000 ألبوم في مجمع التصنيفات Best Ever Albums)، سنكون مقصرين في إهمال “Islands”. أكثر تعقيدًا من الناحية الموسيقية من سابقاتها، ولا تلتزم بتقليد موسيقي واحد، تحتوي “الجزر” على العديد من المقطوعات الجديرة بالملاحظة والتي تم التغاضي عنها، ولا سيما “Formentera Lady” و”Sailor’s Tale” والمسار الرئيسي “Islands”.

سنعطي إيماءة المسار التي تم الاستخفاف بها إلى “Sailor’s Tale”. إن تعدد إيقاعاتها المذهلة تمامًا (حاول حساب الوقت لها) وخط الجهير المتواصل يؤكد على العزف المنفرد للقرن المتغير ونغمات الجيتار المضغوطة، والأقسام المركبة الغريبة، وأعمال الطبول المتزامنة القاتلة. إنها أغنية King Crimson رائعة، وأغنية رائعة من أوائل السبعينيات، وأغنية رائعة.

حتى أولئك الذين لا يعرفون شيئًا عن موسيقى الجاز ربما سمعوا عن مايلز ديفيس. ستستشهد المقالات عبر الإنترنت بحق بإنجازاته التقنية، مثل كيف كان رائدًا رائعًا في موسيقى الجاز (نظير أكثر سلاسة لموسيقى البيبوب) أو كيف قام بضبط بوقه للحصول على جرس يشبه الصوت البشري. كل هذا صحيح تمامًا، ولكن أيضًا: انسَ كل ذلك واستمع فقط. على الرغم من أن موسيقى ديفيس هي إنجاز هائل للبراعة، إلا أن الأمر كله يدور حول إغلاق عينيك والتشويش. هذا صحيح بشكل خاص عندما يتعلق الأمر بألبومه “Live-Evil” عام 1971.

على الرغم من أن ديفيس بدأ في تسجيل الموسيقى في الأربعينيات من القرن الماضي، إلا أنه دخل مرحلة ذروة قوته في منتصف الستينيات تقريبًا، مما أدى إلى أدائه في مهرجان جزيرة وايت للموسيقى عام 1970 مع فرقته الجديدة، B****es Brew. في ذلك العام، احتضن أيضًا بعض المؤثرات الموسيقية التي لعبت بجانبه في ذلك المهرجان، مثل الفولكلور والروك. في العام التالي، في عام 1971، أصدر “Live-Evil”، وهو ألبوم لموسيقى الجاز متحدي ووقح ومذهل، وهو متطور بشكل مذهل، حتى بالنسبة له.

من المحتمل أن يكون “Sivad”، المسار الأول للألبوم، هو المسار الأكثر روعة ظاهريًا. ينتهي الإيقاع السريع لأغنية “What I Say” بشكل غير متوقع، مما يخلق مساحة كافية أعلى قسم الإيقاع لكي يتلاعب ديفيس كما يشاء على بوقه، وهو أمر لا يصدق. ولكن إذا كنت ترغب في الحصول على الحلق، فتوجه إلى نهاية الألبوم لمدة 26 دقيقة “Inamorata and Narration بقلم كونراد روبرتس. (لقد قمنا بتضمين نسخة مختصرة أعلاه.) فقط تخيل نفسك جالسًا في نادٍ صغير يضم عدة مئات من الأشخاص يستمعون إلى جلسة المربى التي تتكشف وتتطور. ثم تدرك أن هذه الأغنية التي تبلغ مدتها نصف ساعة تقريبًا كانت عبارة عن جهد مرتجل تمامًا.

في البداية كان هناك سفر التكوين، الذي كان يرأسه في الأصل المغني ذو الاسم الكتابي والغريب بيتر غابرييل. ما بدأ كجهد روك حالم ومبتكر في أواخر الستينيات من القرن الماضي مع أغنية “من التكوين إلى الرؤيا” عام 1969 (الكتاب المقدس، انظر؟) تغير جذريًا بحلول الوقت الذي وصل فيه إلى “التكوين” في عام 1983، مع نجاحه الضخم البسيط ولكن المكتوب بشكل جيد “هذا كل شيء”. سوف يلاحظ المستمعون أن فيل كولينز الشهير يغني في تلك الأغنية وليس غابرييل. بدأ هذا التطور من نشأة Genesis إلى فترة النجاح الفائق في الثمانينيات والتسعينيات في مطلع عام 1971 مع الألبوم الثالث للفرقة، “Nursery Cryme”.

من المزعج للغاية العودة إلى “Nursery Cryme” بعد سماع أغنية من Genesis مثل أغنية “Invisible Touch” عام 1986. ربما تستمع أيضًا إلى فرقة مختلفة. ومع ذلك، يحتوي “Nursery Cryme” على بذور شكل Genesis المستقبلي في أقسامه الأكثر وضوحًا، ويرجع الفضل في ذلك إلى حد كبير إلى إضافة كولينز كعازف طبول وستيف هاكيت كعازف جيتار. بعد ثلاث سنوات فقط، أصدر جينيسيس أغنية “The Lamb Lies Down on Broadway” الكبيرة والمعقدة، وبعد ذلك ترك غابرييل الفرقة ليبدأ مسيرته الفردية، كما فعل كولينز لاحقًا. تم الإعلان عن هذا الألبوم وخروج غابرييل من خلال “Nursery Cryme”، وهو ألبوم تم التغاضي عنه بسهولة في ديسكغرافيا الفرقة والذي يعد أكثر من مجرد قائم بذاته، وخاصة مساره الأول، “The Musical Box”.

من الأكثر دقة التفكير في “The Musical Box” باعتباره سيمفونية صغيرة تحتوي على أقسام مميزة متنوعة ومد وجزر شامل يبلغ ذروته في نهاية مسرحية للغاية تحاكي في بعض الأحيان أصداء Queen. إنه فائز سهل لأغنية تم الاستخفاف بها بشدة منذ العام الذي صدرت فيه.

في هذه المرحلة، من المحتمل أن تكون أجيال متعددة قد تعرفت على ليونارد كوهين من خلال أسراب من أغلفة أغنيته الكبرى، “هللويا”. قد يؤدي هذا إلى موت معجبي كوهين قليلاً في الداخل، لكن الأمر يستحق أن يجذب المستمعين إلى ما هو أبعد من معاصري كوهين الشعبيين، مثل بوب ديلان وجوان بايز، وإلى قلبه المظلم، الغريب في بعض الأحيان، وحتى المرح. لا يتم تجاهل كتالوج كوهين فحسب، بل يتم أيضًا تجاهل بعض الألبومات والأغاني الموجودة فيه. “Avalanche” من ألبومه الثالث “Songs of Love and Hate” عام 1971 هو أحد هذه الأغاني. لم يتم استقبال الألبوم بشكل جيد عندما تم إصداره، ولكن بالنسبة لبعض المعجبين، فهو يبرز كأفضل ألبوم قدمه كوهين على الإطلاق. إنها قطعة موسيقية رائعة من عام 1971 أو غير ذلك.

“Avalanche” بسيط بقدر ما هو مكثف وأصيل ومنوم تمامًا وشاعري مفعم بالحيوية. تتراكم وتنتفخ على طولها لتتحول إلى كتلة ساحقة من الظلام، كما لو أن كل نغمة مقطوعة هي ندفة ثلج في دوامة. يتم العزف على غيتار صوتي منفرد على الهواء مباشرة، ومع الحد الأدنى من المرافقة في نسخة الألبوم، يروي الفلامنكو المتموج للأغنية قصة شعبية قاتمة عن أحدب يعيش في قاع منجم ذهب – على الأقل رمزيًا.

تقول إحدى المقاطع: “عندما أكون على قاعدة، لم ترفعني هناك / قوانينك لا تجبرني على الركوع بشكل بشع وعارٍ”، قبل أن تنحدر الأغنية إلى قصة حب مهووسة تنتهي بـ “لقد حان دورك أيها الحبيب / إنه جسدك الذي أرتديه”. وفقًا لعنوان الألبوم، “أغاني الحب والكراهية”، يمكن للمستمع أن يعتبر “الانهيار الجليدي” بمثابة تصوير لعذاب الحب الذي لم يتحقق أو ألم طبيعة الحب المستهلكة بالكامل. وفي كلتا الحالتين، كن مستعدا.

من كان يظن أن فرقة فتيان غنت أغاني منفردة تافهة مثل “Surfin ‘USA” و”California Girls” ستتجاوز صورتها بقوة بحيث تعتبر أعمالها من أكثر الموسيقى تأليفًا بدقة في عصرها (وما بعده)؟ تمامًا كما انتقل فريق البيتلز من “Love Me Do” عام 1963 إلى “Eleanor Rigby” عام 1966، انتقل فريق Beach Boys من “Be True to Your School” عام 1963 إلى “Good Vibrations” عام 1967. معظم هذه القفزة المذهلة في الإنتاج الإبداعي تقع على عاتق المؤسس المشارك والمنتج لـ Beach Boys، بريان ويلسون، الذي أطلقت أخلاقياته المجنونة في العمل، وكماليته، ورؤيته كل الإمكانات الموسيقية. كان ذلك واضحًا في بداية فريق Beach Boys.

وبحلول أوائل السبعينيات، كانت ذروة منتصف الستينيات لفريق Beach Boys قد انتهت بالفعل وانتقلت روح العصر إلى أجواء أكثر صخرية. ومع ذلك، يمكن القول إن ذلك كان عندما وصلت موسيقى الفرقة إلى مرحلتها الأكثر تعقيدًا وصقلًا. يقول الغلاف الغريب وغير المتناسب لعام 1971 “Surf’s Up” كل شيء، وهو عبارة عن لوحة للنحت البرونزي الرائع والمؤثر “End of the Trail” لعام 1918 لجيمس إيرل فريزر المقيم حاليًا في متحف متروبوليتان للفنون. يشير اختيار هذا العمل لغلاف الألبوم إلى نهاية الحقبة السابقة لفرقة Beach Boys.

يمثل المسار الأخير لأغنية “Surf’s Up” التي تحمل الاسم نفسه تحفة فنية. تعمل التناغمات الشهيرة لفرقة Beach Boys كأجزاء موسيقية في مقطوعة أوركسترالية، متشابكة مع أدوات أوركسترا حقيقية، وتتجه نحو كودا “Ch-ch-child” الجميلة المذهلة والتي من المحتمل أن تترك فكك على الأرض.